The curves of Niemeyer´s time

Oscar Niemeyer, ese anciano con alma de niño, capaz de seguir emocionándose y emocionando a los que amaban su arquitectura, murió el pasado 9 de diciembre a los 104 años. Su vida, intensa y llena de energía, vibrante y luminosa se hace presente con sus obras, edificios llenos de luz y curvas desperdigados por todo el mundo.    Photo by unknown author.

Niemeyer nació el 15 de diciembre de 1907 en Río de Janeiro.  Su trabajo como arquitecto se vió impulsado por su colaboración con Le Corbusier en 1947 para diseñar parte del complejo de edificios de las Naciones Unidas en Nueva York, aunque ya antes había trabajado con Le Corbusier y Lucio Costa en el proyecto para el ministerio de educación de Río de Janerio en 1936. Dicho proyecto presentaba uno de los primeros rascacielos en los que las cristaleras y la luz eran los protagonistas.

Oscar Niemeyer with his wife in Río 1950 photo by Haywood Magee

Su obra maestra fue dar forma a la nueva ciudad de Brasilia en los años 50 y 60. Brasilia es su modelo, sus edificios, los diseñados por Niemeyer serán repetidos una y mil veces con variantes en cada una de sus posteriores obras, todas extraordinarias y únicas. Como Niemeyer dijo en una entrevista del 2006, cuando contaba con 98 años: «… If you go to Brasilia you might not like it, say «there is something better, but there is nothing like it»…».

    The Brazilian presidential palace Planalto by Michael Kappeler

    The National Congress by Image Broker

Uno de sus primeros trabajos fue la iglesia de San Francisco de Asís. Las autoridades eclesiásticas de la época, bastantes conservadoras, no vieron con buenos ojos su diseño, que consideraban poco ortodoxo y rehusaron consagrarla para su culto hasta 1959. Niemeyer también diseñó la catedral de Brasilia. En una entrevista se refería a este diseño: » I didn´t want an old-style cathedral-dark, a reminder of sin. I wanted something happier».

Church of Saint Francis of Assisi by unknown author

Brasilian cathedral by Evaristo Sa

Niemeyer explicaba muy bien lo que él pretendía con sus diseños, lo que sentía cuando dibujaba una línea, cuando soñaba un nuevo edificio y así lo dejó plasmado en sus memorias «The curves of  time» en 1998: «…right angles don´t attract me. Nor straight, hard and inflexible lines created by human… What attracts me are free and sensual curves. The curves we find in mountains, in the waves of the sea, in the body of the woman we love…»

Museum of Modern Art in Niteroi (Río de Janeiro)

El museo de arte moderno en Rió de Janeiro es una de mis obras favoritas. A muchos les recuerda a un platillo volante posado suavemente sobre la Bahía Guanabara. Su entrada es espectacular.

Entrance of the Museum of Contemporary Art in Niterói by Alan Weintraub y Vanderlei Almeida

Cuando murió, Niemeyer contaba con más de 600 proyectos repartidos por todo el mundo. Su colaboradores más directos hablan de él como el arquitecto que estuvo trabajando hasta el final, recibiendo las visitas de su equipo de trabajo y manteniéndose informado del desarrollo de sus obras. Con una mente clara hasta el final, muchos subrayan como nunca hablaba de la muerte, su  muerte, siempre hablaba sobre la vida.

    The serpentine gallery pavillioin Kensington Gardens (London) by John Maclean

  Centro cultural Oscar Niemeyer (Asturias) by Alamy

Además de proyectos para grandes ciudades y particulares como las oficinas del partido comunista francés en 1965, el centro de la editorial Mondadori en Italia o Constantine University en Algeria

    Constantine University (Algeria) Photo by unknown author

   Sede de la Editorial Mondadori (Italia) Photo by unknown author

Oficinas del partido comunista francés. Photo by unknown author

También diseñó mobiliario, incluyendo su residencia en Río «Canoas House» en los 50. Una casa donde las luz y las curvas son todo uno.

    Canoas House. Casa de Niemeyer en Río

Lounge Chair designed in Copacabana studio 2002. Photo by Frederic Reglain

Sus proyectos siempre han estado rodeados de controversia. No todo el mundo entiende la arquitectura como un juego de curvas y luz en el aire como Niemeyer propone en muchos de sus edificios. Como ejemplo de esto último se encuentra el auditorio de Ravello en Italia inaugurado en 2009 tras 10 años de controversia.

Auditorio de Ravello (Italia). Photo by unknown author.

Para finalizar, unas palabras del gran maestro recogidas en sus memorias Las curvas del tiempo:

» Aquí, entonces, está lo que quería contaros de mi arquitectura. La creé con coraje e idealismo, pero también con la conciencia del hecho de que lo importante es la vida, los amigos e intentar hacer de este mundo injusto, un lugar mejor en el cual vivir.»

Para saber más :

http://en.wikipedia.org/wiki/List_of_Oscar_Niemeyer_works

Oscar Niemeyer, el arquitecto que amaba las nubes

Geoffrey Johnson o «La ciudad transparente»

Geoffrey Johnson nació en Carolina del Norte en 1965 y se graduó en la Academy of Fine Arts en Pensilvania en 1993. Apenas unos detalles para hablar de un pintor tan sensible como misterioso. Muchos de los que han intentado acercarse a sus pinturas descubren con asombro que en este siglo de las nuevas tecnologías, donde no eres nadie sin pertener a una de las muchas redes sociales que existen y mucho menos sin tener siquiera una página wed donde exponer tu trabajo, Johnson no tiene ni lo uno ni lo otro. Existe un vacío entre este pintor, su mundo, el que retrata, y el real y ese vacío lo llena la inmensidad de sus trazos, sus colores oscuros de exterior o sus tonos intensos del interior de las casas de Nueva York.

Como fondo siempre la ciudad de Nueva York, el anonimato de los que pasean por sus calles, por Central Park, la ciudad transparente, esa otra ciudad dentro del caos de la ciudad donde todo es posible, la ciudad que lo engloba todo, donde todo nace y muere de forma perpetua, sin retorno.

Tonos llenos de misterio y melancolía. Formas sugerentes casi mágicas que recuerdan a los fantasmas de las casas victorianas buscando su lugar en un mundo que ya no es el suyo.

Algunos críticos señalan que el trabajo de Johnson es un camino que va desde la abstracción al realismo teniendo como fondo la fascinación que siente por la arquitectura de la ciudad moderna, en este caso por New York.

Para saber más:

http://www.principlegallery.com/artistView.new.pl?artist=77&artistCategory=

Julian Opie: el significado del minimalismo

El británico Julian Opie, nacido en Londres en 1958 se ha convertido en uno de los máximos representantes del retrato moderno minimalista. Parte de su trabajo está basado en la reducción de fotografías a la mínima expresión figurativa usando líneas muy sencillas, colores planos y trazos negros para cejas o bocas. Los ojos pasan a ser un punto perdido en la mágica sencillez del retrato donde todo lo demás queda diluido, ya no importa nada más que lo más básico.

En sus retratos hay cabida para cualquiera, desde gente famosa, como el retrato que hizo de los miembros del grupo Blur y que sirvió de portada para su album «The best of» publicado en el 2000 a gente normal que encuentra cada día en la calle.

El artista explica que su obra tanto en pintura como en escultura, esta inspirada en la señalética y en los logos. Los críticos de arte denominan a su pintura como «pintura figurativa» y muchos hacen referencia a los dibujos que el belga Hergé hizo para las historias de Tintín como fuente de inspiración para Opie.

Shahnoza with beads 2006

Una de sus últimas aportaciones ha sido el diseño de un sello que forma parte de la colección que la Royal Mail ha puesto a la venta con motivo de los Juegos Olímpicos de 2012.

Junto con sus retratos cabe destacar sus esculturas e instalaciones con paneles led o pantallas de cristal líquido donde se puede ver como Opie aplica las últimas tecnologías a su trabajo.

Para saber más:

http://www.julianopie.com

es.wikipedia.org/wiki/Julian_Opie

Cinco mujeres y un gato: Ikenaga Yasunari

Lo que más llama la atención en las pinturas de Ikenaga Yasunari es su temática. En todas, excepto una, la de un gato, vemos a hermosas mujeres, lánguidas, casi etéreas, adormecidas en una suerte de sueño que parece durar toda una eternidad.

Yasunari nación en la prefactura de Oita (Japón) en 1965. Hay pocos datos sobre el pintor aunque si muchos sobre sus hermosos cuadros así como sobre la técnica empleada en los mismos, un estilo de pintura que los hace parecer de otra época aunque las mujeres retratadas sean jóvenes y modernas.

Su temática y el preciosismo con el que trata cada detalle me hacen recordar las películas de director hongkonés Wong Kar-wai, «In the mood of love» o «2o46», lentas, sensuales y con un estilo que nos lleva a los años 60.

Para saber más:

http://www.ikenaga-yasunari.com

 

Para saber más:

http://es.wikipedia.org/wiki/Wong_Kar-wai

La lecon difficile: William-Adolphe Bouguereau

La lecon difficile 1884

El pintor francés William-Adolphe Bouguereau pintó este enigmático cuadro en 1884. Nacido en el seno de una familia de comerciantes en La Rochelle (Francia) en 1825 pudo abandonar los negocios de su familia y dedicarse a su verdadera pasión, la pintura, gracias a la intervención de un tío que supo ver en él la maestría y el don que tenía para la pintura.

Young mother gazing at her child (1871)

Su estilo es academicista dentro de la corriente Neoclásica de su época. Admirador de Rafael, intenta reflejar ese sentimiento en sus lienzos cuya temática es bastante variada desde los dedicados a mostrar la vida cotidiana y en especial las relaciones filiares, hasta aquellos de temática religiosa.

The Virgin Jesus and Saint John Baptist (1875)

Virgin and Child (1888)

Además de temas religiosos, también dedica parte de su obra a quellos temas de contenido mitológico.

Birth of Venus

Así como a desnudos y retratos, en muchos de los cuales se puede observar una intensidad de la que es difícil escapar.

The Wave (1896)

Letoile Lost (1884)

William-Adolphe Bouguereau pintó 826 cuadros. Según decía, su mayor alegría era llegar cada mañana a su estudio para pintar.  Esa pasión intentó hacerla extensiva al ámbito de las mujeres pintoras, a muchas de las cuales ayudó a ser admitidas en academias de arte del momento. Murió en La Rochelle en 1905.

Portrait of Gabrielle Cot (1890)

Para saber más: http://www.wikipaintings.org

El universo de Haruki Murakami

Escribe con letras de fuego y los espacios entre letra y letra los rellena con aquellos elementos perennes en su vida desde la infancia. Él mismo cuenta en una de sus entrevistas que siendo hijo único, tan sólo tres cosas podían aliviar su soledad: la música, los libros y los gatos, y es así como aparecen de forma continua estos tres elementos en sus libros.

Photo by soonorlater «Mis libros»

Durante años, fue dueño de un club de jazz que vendió para dedicarse a correr y a escribir. De esos años le queda su colección de vinilos que sigue aumentando, así como él mismo dice «escuchaba música clásica, jazz y actual. Entre sus favoritos: Nat King Cole, Miles Davis, Charlie Parker y The Beatles».

Otra de sus pasiones son los libros, de hecho es traductor, uno de sus autores favoritos es Scott Fitzgerald. “Es uno de mis autores favoritos, no me canso de leerlo”

Los gatos, siempre presentes en sus libros de una u otra forma. En «Kafka en la orilla» uno de los personajes, Satoru Kakata, sólo puede comunicarse con los gatos. Como el mismo ha dicho en alguna ocasion: “Los gatos siempre estaban ahí cuando yo era un niño. No tengo hermanos, así que de pequeño mis amigos eran los gatos.»

photo by unknown author. Found in the internet

Murakami ha cumplido ya los sesenta años y su deseo de escribir es tan intenso como al principio de su carrera literaria. Su único miedo: el tiempo que transcurre veloz para él cuando aún tiene tanto que decir.

Murakami también se deja influir por el mundo del cine, en particular David Linch,  su libro “Crónica del pájaro que da cuerda al mundo”, lo escribió al mismo tiempo que estaba viendo la serie Twin Peaks. A su vez, también sirve de inspiración para otros, como en el caso de Sophia Coppola y su «Lost in translation», donde se percibe ese mundo lleno de melancolía, onírico y oscuro a un tiempo que puebla los libros del autor.

Photo perteneciente a «Lost in translation»

Y Murakami explica,“Ser novelista me permite crear, como en la serie, mundos paralelos. En la sociedad japonesa ser libre implica un riesgo, es una sociedad muy bloqueada y , si sales de ella, es posible que no puedas volver a entrar. Si uno quiere ser un individuo lo tiene difícil, si no perteneces a un grupo eres un descastado. Yo me he sentido solo durante mucho tiempo. Escribo acerca de personajes que quieren ser individuos, por eso gusto tanto a los jóvenes. Yo siempre estoy del lado del individuo no del sistema». Sus personajes son en su mayoría jóvenes o en los treinta, recordando sus días de juventud, de infancia, donde se mezclan el sexo, el amor o el suicidio. Los mundos paralelos de obras como «Crónica del pájaro que da cuerda al mundo» o 1Q84, obra dedicada a George Orwell, sin olvidar «After dark» recuerdan al realismo mágico de «Pedro Páramo», es dfifícil distinguir el sueño de la realidad.

«Tokio Blues» ha sido una de sus últimas obras adaptadas al cine.

Por último, dejo aquí un fragmento de uno de sus libros. «Sputnik, mi amor» Ed. Maxi Tusquest Editores.

«A los veintidós años, en primavera, Sumire se enamoró por primera vez. Fue un amor violento como un tornado que barre en línea recta una vasta llanura. Un amor que lo derribó todo a su paso, que lo succionó todo hacia el cielo en su torbellino, que lo descuartizó todo en un arranque de locura, que lo machacó todo por  completo. Y, sin que su furia amainara un ápice, barrió el océano, arrasó sin misericordi las ruinas de Angkor Vat, calcinó con su fuego las selvas de la India repletas de manadas de desafortunados tigres y, convertido en tempestad de arena del desierto persa, sepultó alguna exótica ciudad amurallada. Fue un amor glorioso, monumental. La persona de quien Sumire se enamoró era diecisiete años mayor que ella, estaba casada. Y debo añadir que era una mujer. Aquí empezó todo y aquí acabó (casi) todo.»

«Femmes Fatales» de Waterhouse

«I am half-sick of shadows», said the Lady of Shalott

William Waterhouse  nació en Roma en 1849. El lugar de su nacimiento no fue casual, ya que sus padres, amantes de la pintura se encontraban allí en el momento de su  nacimiento y quizás eso influyó y mucho en el camino que Waterhouse tomó en su vida, no sólo como pintor sino también por los temas que eligió para sus pinturas. La mayoría de ellos de inspiración clásica, basados en la historia antigua, leyendas latinas y griegas, así como el tema artúrico. Waterhouse vivió la mayor parte de su vida en Londres, donde murió en 1917.

The lady of Shalott

Y de entre todos los temas que podría escoger de mitología clásica o los relacionados con el rey Arturo destacan en especial el papel que desempeñan las mujeres en la mayor parte de sus cuadros. Sus mujeres, femmes fatales, hechiceras, seductoras, llenas de magnetismo y atracción hacia el lado más oscuro del corazón humano.

«The lady of Shalot», tema al que dedicó dos de sus cuadros, narra la historia de una bella dama enamorada del caballero de la Tabla Redonda, Lancelot. Al saberse no correspondida, decide dejarse morir por amor y es así como inicia su viaje en barca hacia Camelot.

Nuestra siguiente mujer fatal es Ofelia, la enamorada de Hamlet. Una mujer sensible, fragil en apariencia y que de forma independiente, más allá de su historia, de la que mantiene con Hamlet o con su familia, lucha en contra de la realidad que se le impone y pierde la partida. Ofelia aparece retratada entre flores, en un prado. Waterhouse usará este ambiente idílico en muchos de sus cuadros, mujeres rodeadas de flores, aspirando su aroma o recogiéndolas quizás.

Ophelia

Ophelia

La siguiente mujer amante, enamorada es una de las más conocidas por el público. Julieta, la enamorada de Romeo. Julieta intenta igual que sus antecesoras luchar contra el tiempo, el infortunio, la rueda de la fortuna, el sol que sale para iluminar su amor, el que tiene que ocultar a la vista de todos, el que siente por Romeo y por el que también muere.

Juliet

Mujeres en la naturaleza, en conjunción con fuerzas que escapan al control del resto de los humanos. Vientos, tormentas, lagos de oscuras aguas. Bellas mujeres que se muestran siempre solas, buscando, esperando, sufriendo en silencio, sin salida más allás de su propio deseo, el de un amor no consumado por no ser correspondido, o por causa de hechizos o brujería usados en su contra.

«Miranda and the tempest»

La historia recogida por Ovidio «Píramo y Tisbe» es similar a la escrita por Shakespeare «Romeo y Julieta». De nuevo ese amor prohibido en el que es ella, Tisbe, la elegida por Waterhouse, para recordarnos la terrible historia de amor prohibido y su trágico desenlace. Tisbe se comunica con Píramo a través de la grieta de una de las paredes de su casa.  Y Waterhouse la pinta como es, una belleza de piel blanca, pelo oscuro y un precioso y colorista vestido rojo, lejos de los velos y los tocados de la heroínas artúricas. Tisbe, al igual que Julieta decide morir cuando ve a su amado se ha suicidado al pensar que ella había muerto presa de un león. Tisbe ya ha elegido, sin su amor, no desea vivir.

Thisbe

La mitología griega está presente con Ariadna, «la más pura». Otra bella mujer enamorada esta vez de Teseo y seducida y abandonada por él.

 

«Ariadna»

Ninguna de estas bellas femmes fatales está falta de valor, al contrario, todas afrontan su destino y en tanto que pueden hacen uso de su mágia, hechicería, de su soledad. Waterhouse nos las muestra usando espejos para ver el futuro, con bolas de cristal, abriendo cajas prohibidas como Pandora o como Circe, la maga y hechicera que trató de retener el corazón viajero de Ulises, ofreciendo pócimas mágicas, conjuros, peticiones que no fueron atendidas por los dioses.

Pandora

The crystal ball

Circe

Para saber más: http://www.royalacademy.org.uk/exhibitions/waterhouse/

Las mujeres de Lawrence Alma-Tadema

Lawrence Alma-Tadema es uno de mis pintores favoritos. Nació en Dronrijp (Holanda) en 1836 y murió en Wiesbaden (Alemania) en 1912. Sin embargo una gran parte de su vida, quizás la más importante pues fue allí donde alcanzó la fama y el reconocimiento, la pasó en Gran Bretaña, donde viajó con motivo de la Exposición Universal en 1862. Allí , visitando el British Museum, quedó impresionado por el friso del Partenon y esa inspiración la tradujo en sus obras, la mayoría sobre temas mitológicos o gloriosas escenas históricas, dejando unas 400 obras en el momento de su muerte.

De esta producción, yo particularmente, destaco la dedicada a las mujeres.  Me gusta el tratamiento que les da en sus cuadros. Todas escenas mitológicas de bellas mujeres, rodeadas de luz, la luz del Mediterráneo (de hecho hay quien compara a Alma-Tadema con Sorolla por el tratamiento de la luz en sus cuadros), con bellas ropas y una actitud pensativa y languideciente.

«A coing of Vantage» 1895

«Her eyes are with her thoughts» 1897

Sus mujeres esperan, salen a los balcones, a las terrazas, solas o en grupo y esperan. Se rodean de flores,  bellas columnas, imágenes de la costa griega quizás, de fondo y sus pensamientos. Y esto es lo que más me llama la atención de la pintura de Tadema, lo que más me gusta. Parece que el tiempo se detiene y no hay nada más que ese esperar pausado, lleno de sol y de vez en cuando de risas en grupo.

«Xanthe and Phaon»

«Silver Favourites»

Por supuesto, no todas la pinturas de Alma-Tadema hablan de mujeres que esperan. Hay una parte dedicada al amor, cuando el amor llega y se manifiesta en esa misma terraza donde antes ha habido tan sólo espera.

«A declaration»

«Ask me no more»

Junto con esas pinturas de tono erótico, delicadas, sensuales y para nada acordes con el gusto y la moral victoriana. A veces lo erótico no viene del desnudo en sí, a veces es sólo la expresión de la cara, unos ojos llenos de profundidad o una pose distinta a las ya habituales.

«In the Tepidarium»

» A favourite Custom» 1909

«María Magdalena»

Para saber más:

http://www.alma-tadema.org/

http://en.wikipedia.org/wiki/Lawrence_Alma-Tadema

«A listener»

BARACK OBAMA

Barack Obama, elegido en 2008 el presidente nº 44 de los Estados Unidos.

Después de dos legislaturas con los Republicanos entre cuyos logros más «notorious», como dirían los ingleses, se encuentran la invasión de Irak, la crisis económica mundial, el calentamiento global del planeta, las prisiones de Guantanamo y ese maravilloso libro publicado por el expresidente Bush reconociendo que la invasión de Irak no fue acertada, por fin, llegó el cambio.

Los colores de la bandera americana con sus 50 estados, el azul, el blanco y el rojo, retratan a Barack Obana como símbolo de esperanza y progreso en un cartel diseñado por Shepard Fairey.

Los diseños mostrados aquí pertenecen a la estupenda campaña para Obama realizada por voluntarios gráficos. Un estudio de sus gestos, palabras más habituales y esa forma de presentarse ante la gente, que a mí tanto me recuerda a JFK.

«Ningún voto es inutil», ese fue uno de los lemas de su campaña. Ofreció esperanza a mucha gente que estaba decepcionada con los Republicanos. Eso le dió la victoria, lo que muy pocos creían posible, que un candidato negro llegase a ser el presidente nº 44.

La bandera como símbolo del patriotismo, la unidad, la democracia. La esperanza de nuevo como motor del cambio.

Para saber más: http://www.designforobama.org/

Mi favorito: HOPE

Elegí esta entrada como una de las últimas de este año, porque admiro a este hombre por lo que es, lo que ha conseguido, por su lucha, su tesón, su forma de trabajar, su política y el cambio que ha traido a Estados Unidos y al mundo en general, algo que muchos están intentado ocultar, hacer olvidar, desprestigiar y destruir. Espero que no lo consigan. Seguro que  no, si todos decimos » Yes, we can».

Luz en soledad: Edward Hopper

Photo by Soonorlater «Hopper in Rome»

Edward Hopper es uno de esos pintores que te atrapa con su luz y las escenas de sus cuadros. Su luz, Edward Hopper es luz en soledad.

Este pintor nacido junto al río Hudson en 1882, hijo de familia culta y burguesa, conocedor de Europa, habitante de París y admirador de Degás, dejó una estela en sus cuadros de soledad, espera, luz que entra por ventanas abiertas, alejamiento o silencio, en la que el observador puede dejarse caer o llevar si lo desea, si desea ser parte de ese paisaje, sentir el aire que barre su cara en uno de los acantilados de sus cuadros o sentir el calor del sol en su piel y tomar una cena en uno de esos restaurantes nocturnos de New York, ser pintado con colores oscuros, verdes, rojos o fríos y claros, azules, blancos.

Edward Hopper es la vida americana de principios del siglo XX, la vida cotidiana americana también, el orden dentro de un espacio ordenado, la espera de una única persona, protagonista la mayoría de las veces de sus cuadros, la distancia, el alejamiento.

«Morning Sun» Edward Hopper 1882-1967

«The lighthouse at two lights» 1929

«New York movie» Edward Hopper